時尚入列藝術殿堂：大都會博物館年度大展《Costume Art》確立時尚策展的歷史定位

回顧大都會藝術博物館（The Met）的歷史，2026年無疑是一個關鍵的轉捩點。這一年，時尚（Fashion）在藝術殿堂中的物理空間與學術地位，迎來了結構性的提升。服裝學院（The Costume Institute）推出的春季大展《Costume Art》（服裝藝術），不僅是年度盛事，更是一場重新定義「時尚」在藝術史座標的範式轉移。

隨著位於博物館大廳（Great Hall）旁、佔地近12,000平方英尺的「康泰納仕展廳」（Condé M. Nast Galleries）揭幕，標誌著時尚展覽正式走出了地下層或側翼的邊陲位置，堂堂正正地進駐了博物館的心臟地帶。

核心策展理念：身體作為藝術的載體

主策展人Andrew Bolton再一次展現了他將哲學思辨注入織物的策展功力。有別於傳統展覽僅止於展示服裝工藝的華美，《Costume Art》將探討的核心拉回至「著裝身體」（the dressed body）本身。

展覽試圖打破「時尚」與「純藝術」之間長期存在的藩籬。Andrew Bolton策略性地將服裝學院的館藏與The Met橫跨5,000年歷史的西方藝術品並置對話。以展覽的主視覺為例：一件1920年代的Fortuny "Delphos" 褶皺長袍，與西元前5世紀的赤陶 Nike女神像相互對望，形成強有力的隱喻。

正如Andrew Bolton所強調：「時尚是一種『具身藝術形式』（embodied artform），具備物質性而非僅是視覺性。」這場展覽引導觀者超越單純的視覺凝視，轉而感受服裝如何重塑身體，以及身體如何賦予服裝意義。

打破完美神話：看見被忽視的肉身

《Costume Art》最具野心的策展亮點，在於依據「身體類型」進行的分區敘事。除了傳統藝術史中常見的「裸體」（Naked Body）或「古典身體」（Classical Body），展覽大膽納入了被時尚界長期邊緣化的主題：「懷孕的身體」（Pregnant Body）與「衰老的身體」（Aging Body）。

此舉具有深刻的政治與社會意義。在一個長期崇尚青春與纖細的行業中，The Met將這些多元的身體形態置於藝術祭壇之上——展品採用傳統藝術博物館規格的底座展示——從而賦予它們與古典雕塑同等的價值與審美地位。

金權與建築：康泰納仕的永久印記

展覽的另一重看點在於空間本身。由建築事務所Peterson Rich Office（PRO）操刀設計的全新展廳，在Jeff Bezos、Lauren Sánchez Bezos以及康泰納仕集團（Condé Nast）的鉅額資助下落成。

這不僅是物理空間的擴張，更是權力版圖的具象化。將展廳命名為「康泰納仕」，象徵著這家傳媒巨頭與時尚策展歷史的永久綁定。而Thom Browne、Michael Kors等設計師的個人資助，亦顯示了時尚產業內部對於自我文化地位提升的集體意志與渴望。

時尚的歷史性轉向

《Costume Art》的出現，向世界宣告了時尚不再是純藝術的附庸，而是人類歷史中最親密、最直接的藝術形式。對於長期觀察時尚文化的人而言，這場展覽或許終結了那個爭論不休的老問題——「時尚是藝術嗎？」

在The Met的全新展廳中，答案已不言而喻。

資料來源：MET

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