亮相不到20秒,做這麼辛苦幹嘛?舞台華服背後的創作者心聲

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為什麼《魔笛》(Magic Flute)的夜后心中會燃燒著地獄的怒火?為什麼《奧菲歐》(L’Orfeo)不惜勇闖冥府也要救回心愛的幽麗笛彩?為何托斯卡每天為聖壇獻上鮮花還是迎來了一場悲劇?又為什麼《霍夫曼的故事》(Les Contes d’Hoffmann)會跑出個叫奧琳比亞的機器娃娃?為何露琪雅捧著噴泉心卻碎了滿地的去尋死?

歌劇不僅僅是當年大家的閒暇娛樂,同時也承載了服裝、劇場、道具甚至是政治因素等等的連帶關係。看戲的仕紳名伶無不花枝招展的炫耀著當下最新的流行,與台上表演者互別苗頭,從高聳入雲還有一艘船長在上面的假髮,更別說華美的蕾絲到奢華的刺繡。這些引人入勝、讓人津津樂道的故事,為何能夠一演再演?不同的導演就更換不同的卡司,不同的服裝,不同的佈景。

歌劇,從舞台演出者到觀眾,從上到下,從前到後,徹徹底底的就是一場秀,一場所謂的服裝秀。(喔,不過是中古世紀的版本)在可可香奈兒(Coco Chanel)和瑪德蓮維歐內(Madeleine Vionnet)解放馬甲束腰之前,仕女的服裝一直是一層接著一層,一圈圍著一圈。我們在電影、圖片裡看到的,無論是從1820-1830年沙漏線條,一直到1880年興起的墊臀線條,其實都是在衣服的表皮底下有各種不同的支撐物。到了1900年終於去除掉了這些支撐,開啟了一種反時尚華美的休閒風潮,再加上東方風潮的湧入,使得1920年起的保羅普瓦烈(Paul Poiret)及Coco Chanel,終於擺脫裙撐馬甲的窠臼,而這些華美霓裳,最先也是為了休閒育樂、觀賞歌劇而縫製的啊。

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當年碰巧遇上台北國家劇院整修前時期,還有著台灣劇組製作的理查斯特勞斯歌劇,聽著裁縫們說,當時聚在國家劇院地下室的服裝製作間趕製衣服,或是在隔壁洗衣房利用烘衣機把衣服洗舊做出穿過的質地,但大家邊做卻又邊說,「吼,做這麼辛苦幹嘛?上台真的不到20秒耶。」就是因為劇服設計總監的一句話,大家還是邊碎念邊完成。台灣製作的團隊,從國外請來專業的演出家,語言不通的時候,真的是雞同鴨講,碰一鼻子灰。事後聽著他們說著這些,也覺得煞是有趣。

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歌劇是個想像力奔馳的世界。我有看過超前衛三點放光的夜后,也有看過現代版穿時裝的拉美墨的露琪雅,還有演出穿越劇的那克思索島上的雅莉雅德納,最近巴賽隆納歌劇院還要上演星際大戰版的杜蘭朵公主呢!歌劇本來就是一個你只要想得出來,就沒有什麼是不可能的一個神秘玩意兒。只要導演跟劇服設計有了共識,什麼事情都有可能發生。

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在台灣做劇場頗不容易,一是演出場次不多,現在有了台中國家歌劇院跟衛武營文化中心,希望能夠對台灣藝文界帶來多一點的迴響,二是台灣劇場多半預算都不高,常常花了大錢請了知名的歌手,卻一直壓縮製作組的預算。從藝文面、文化面、藝術面來看,發展歌劇甚至是舞台劇這些,都沒什麼好處,也希望這幾個場館包括台北兩廳院的重新啟用,能夠讓藝文界有嶄新的面貌。台灣的軟硬體技術一直都有極好的水平,但可惜的是,我不斷地看到相關產業的工作夥伴,卻被其他國家以三到四倍的高薪給挖角過去,技術就跟著這樣去了。買張票,把去聽場歌劇當成是去看現場演出的電影,不是一樣概念嗎?

撰文:vv.
責任編輯:Ivana Yang
照片來源:Shutterstock

關於作者:
vv.,服裝產業上下多棲的工作者。

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